LUZ Y COLOR

 Luz y color, Sombra y tinieblas

"Luz y Color" es una pintura al óleo del artista Joseph Mallord William Turner, conocido como William Turner, que con sus brillantes tonos amarillos nos envuelve en un torbellino.

Esta obra es compañera de "Sombra y Tinieblas", las cuales en su conjunto pretenden abordar la teoría del color de Goethe, cuya traducción al inglés habría sido hecha 3 años antes de estas obras.

Este estilo representa una anticipación al impresionismo. 

En este obra, Turner muestra su preocupación por las sombras, empleando un color oscuro al que se le antepone un color brillante, haciendo del negro un color aún más negro. Nos presenta una nueva sensación de torbellino con una pincelada suelta y deshecha que expresa perfectamente la sensación de turbulencia.

Este par de obras corresponden a uno de tantos trabajos realizados por el artista en el que nos presenta significados opuestos. En este caso, ambas obras muestran el interés de William por los valores cromáticos y luminosos.

La teoría del color por J.M.W. Turner

William Turner, un artista de obras envolventes y etéreas, poco definidas, sutiles y sublimes. Se interesó por los paisajes, la arquitectura, la luz y el color.

Se dedicó a la lucha constante por la disolución del plano físico, dando paso a la idealización del entorno.

La visión que Turner tiene respecto al color, se origina a partir de la combinación de su conocimiento heredado y su intuición de carácter personal. La primera fuente de conocimiento sobre el color, viene de la mano de Moses Harris, y su Sistema Natural de Colores (imagen superior).

Harris indagó en el trabajo de Isaac Newton para descifrar la variedad de colores que se pueden obtener a partir de los colores primarios (rojo, amarillo, azul).

Guiado por la naturaleza y el comportamiento de la luz, Harris determina que estos colores pueden dar origen a todos los matices y valores. Concluyó así, que los colores que se presentan consecutivos debían colocarse en círculo con carácter prismático. De esta forma:

Colores primitivos: amarillo, rojo y azul. Los más comunes, muy presentes en la naturaleza salvaje.

Colores mediadores: verde, naranja y violeta. Aquellos con los que se decoraron las flores.

La construcción de este círculo prismático, se logró mediante el uso de acuarela por capa para evidenciar el cambio de valor (luz y sombra).

Turner estudió profundamente a Harris, pero no estaba convencido de su teoría y el círculo, así que se concentró en el centro prismático para ejecutar sus obras considerando las luces y sombras.

De este modo, William se apodera del círculo de Harris y lo adapta a sus necesidades, colocando al amarillo como el color dominante, ignorando los colores complementarios y eliminando al púrpura, puesto que lo consideraba enemigo del amarillo.

William pasó de la figura que denominó como No. 2 - un resumen de la teoría de Moses - a la figura denominada NO. 1, en la que el amarillo abarca la mitad de la circunferencia, los triángulos se engrandecieron y las mezclas no muestran resultados más oscuros, si no que muestra las mezclas entre el amarillo con el rojo y azul. Turner los llamó "colores aéreos". 

Las otras eran "colores materiales densos".

Bajo la influencia de Goethe, Turner dividió los colores por temperatura, en donde una mitad abordaba los colores "más" (rojo, amarillo, naranja), rápidos, vivaces, aspirantes; por otro lado, los colores "menos" (verde-azul, azul y púrpura) producen inquietud, ansias y sensibilidad. Así, los colores positivos fueron empleados para amaneceres y mañanas, y los negativos los usó para atardeceres y diluvios. Esto da origen a mañanas aéreas y tardes densas.